10 Jahre später bleibt ein grausamer Kult-Thriller zeitgemäßer denn je

(SeaPRwire) –   „Ist Kunst von Natur aus politisch?“ Es ist eine Frage, die trotz der Intensität des Internet-Diskurszyklus seit Jahren in irgendeiner Form existiert, in jedem Medium und während einiger der turbulentesten Perioden der menschlichen Gesellschaft. Heutzutage ist es eine Frage, die hitzige Debatten online entfacht, wenn man bedenkt, wie unser zeitgenössischer Kulturkampf jedes Fitzelchen des Unterhaltungsraums vereinnahmt hat, vom ersten schwarzen Hauptdarsteller in Star Wars bis hin zu Gesprächen über Vielfalt in Videospielen. Filme, Literatur, Comics, Videospiele, alles ist zu einem Schlachtfeld für einen permanenten Besitzanspruchskrieg zwischen der politischen Linken und Rechten geworden, wobei einige Leute am Rande zuschauen und an der Idee festhalten, dass große Kunst nicht politisiert werden sollte.

Künstler selbst mussten sich jahrelang mit dieser Frage auseinandersetzen, mit starken Meinungen auf beiden Seiten. Auf jeden Künstler, der sich gedrängt fühlt, seine Überzeugungen mit der Welt zu teilen, kommt genauso viele, die aus Angst vor Vergeltung oder davor, potenzielle Zuschauer zu vergraulen, schweigen. Auch wenn er heute hyper-sichtbarer sein mag, ist der aktuelle Kulturkampf nicht so unähnlich zu einem früheren, der um die Seele eines unserer größten Musikgenres ausgefochten wurde – und der 2015 erschienene, headbanging, pulsbeschleunigende Green Room veranschaulicht diesen Kampf auf brutale Weise.

Viele Filme geben vor, „über“ Musik zu sein, aber nur wenige haben die Textur eines bestimmten Genres so gut eingefangen wie Jeremy Saulniers dritter Film, ein düsterer Thriller über eine unglückliche Punkband, die in einen Kampf ums Überleben mit Nazi-Skinheads gerät, als sie nach einem Konzert zufällig auf einen Mord stoßen. Bevor sich die Dinge zu einem Albtraum zuspitzen, verbringen wir eine entscheidende Eröffnungszeit mit den Ain’t Rights, unserer liebenswerten Band verhungernder Künstler: Wir sehen sie Benzin abzapfen, wenn sie zu pleite sind zum Bezahlen, in einem verschlafenen Kleinstadt-Diner vor desinteressierten Gästen spielen, um sechs Dollar pro Kopf zu verdienen, und in einem Interview, das genau 10 Menschen hören werden, posaunen, was es bedeutet, wirklich hardcore zu sein. Aber all das wird wettgemacht, wenn sie auf der Bühne stehen, denn Saulnier leistet unglaubliche Arbeit, die hämmernde, fuchtelnde Energie eines Punk-Konzerts lebendig werden zu lassen – einer der erhabensten Momente des Films ist, wenn die Band in dem Veranstaltungsort spielt, der bald ihre Arena sein wird, und die Musik aussetzt, während wir die Menge sehen, die sich wie ein einziger Körper gegen eine Wand aus Lärm bewegt.

All dieser Aufbau ist notwendig für das, was zweifellos einer der nervenzerfetzendsten Filme der 2010er Jahre wird. Jeremy Saulnier ist ein zeitgenössischer Meister der Spannung, und Green Room droht aus allen Nähten zu platzen, dank eines malerischen Gespürs für visuelles Storytelling. Wenn die Ain’t Rights backstage gefangen sind ohne Ausweg, ist es Saulnier nicht einfach genug, uns die Nazi-Gangster zu zeigen, die auf der anderen Seite der Tür auf Blut warten – er fängt uns mit ihnen im Raum ein, während sie in Panik geraten und Pläne schmieden, nur um die Gefahr zu enthüllen, wenn eines unserer potenziellen Opfer unter der Tür hindurchspäht und eine kleine Armee von schwarzen Stiefeln mit roten Schnürsenkeln sieht.

Die Gewalt in Green Room ist schnell, grausam und entschieden anti-kinematisch – es gibt keine Slasher-Film-artige Katharsis beim Anblick der Folgen eines Arms, der mit einer Machete zerhackt wird, oder eines Schutzhunds, der jemandem die Luftröhre herausreißt. Es ist ein verzweifelter, hektischer Kampf, nicht unähnlich etwas aus einem bestrafenden Survival-Horror-Spiel. Obwohl es fiktiv ist, fühlt sich der Film unweigerlich an wie eine lebensbedrohliche Veranschaulichung des Kampfes zwischen antifaschistischen und faschistischen Punks in den 70er und 80er Jahren.

In den 1970er Jahren führte die Popularität rassistischer, reaktionärer Stimmungen im Vereinigten Königreich (wie die extreme Fremdenfeindlichkeit von Politikern wie Enoch Powell und der white-nationalistischen Partei National Front) zum Aufstieg mehrerer Neonazi-Punkbands, ein Trend, der in den 80er Jahren in die Vereinigten Staaten einwanderte und zu einer interkontinentalen Spaltung innerhalb des Genres führte, wobei Skinhead-Punks Gewalt anwendeten, oft rassistischer Natur. Eine antifaschistische Bewegung schoss unweigerlich als Antwort aus dem Boden, und prinzipientreue Reaktionen wie die Rock Against Racism-Bewegung in London und der Dead Kennedy’s stets aktueller Song Nazi Punks F*ck Off zogen eine klare Grenze und repräsentierten Punkmusik als einen Raum für alle und jeden, außer für diejenigen, die stolz ein Hakenkreuz tragen würden.

Der ikonische Song der Dead Kennedy’s spielt eine entscheidende Rolle im Film – es ist das erste Lied, das die Ain’t Rights während ihres Sets spielen, nachdem sie herausfinden, dass ihr Veranstaltungsort ein Skinhead-Treffpunkt ist, eine überstürzte Entscheidung, die vom schüchternen Bassisten der Band, Pat (Anton Yelchin), ersonnen wird. Es ist eine der besten Leistungen des verstorbenen Schauspielers, in der er den Charakter als schüchtern, unsicher und anfangs ziemlich hilflos verkörpert. Aber unter seiner nervösen Art schlummert eine Ader von Impulsivität und wahrer Anarchie, dieselben Eigenschaften, die die Band dazu treiben, einer Nazi-Bande auf ihrem eigenen Terrain den Mittelfinger zu zeigen, und dieselben Eigenschaften, die für das Überleben der Gruppe zentral werden.

Schon früh legt Saulnier Wert darauf, die extreme Effizienz und Organisation des Skinhead-Unternehmens darzustellen. In einer besonders aufmerksamen Sequenz sehen wir, wie sie die Abläufe einer Vertuschung durchgehen: Sie bezahlen zwei „wahre Gläubige“, um die Schuld für einen orchestrierten, nicht-tödlichen Messerstich auf sich zu nehmen (ein Taschenspielertrick, um die Polizei davon abzuhalten, den wahren Mord zu entdecken), während sie gleichzeitig eine falsche Geschichte konstruieren, um ihre geplanten Morde an der Band wie Selbstverteidigung aussehen zu lassen. Es ist klar, dass eine hierarchische Struktur am Werk ist, eine gut geölte faschistische Maschine, die unsere Helden ganz verschlingen soll – was genau der Grund ist, warum sie, um zu überleben, das Chaos ihrer Musik verkörpern und eine Rohrbombe in die Machenschaften ihrer Gegner werfen müssen.

Die Kräfte des Autoritarismus sind ein sauberes, ordentliches, gepflegtes System, das dazu entworfen ist, zu unterdrücken und zu zensieren. Sie wollen nicht, dass Kunst chaotisch, meinungsstark oder lautstark im Widerstand gegen Vorurteile ist; sie wollen, dass du still und verdaulich bleibst. Aber die Wahrheit ist, dass Kunst eine Reflexion der lebenswichtigen Politik ist, die uns zu jeder Zeit umgibt, und die Einsätze des „Kulturkampfes“ sind größer als eine Botschaft im neuesten Disney-Film. Manchmal muss man, trotz der Konsequenzen, auf die Bühne gehen und eine Grenze ziehen, selbst wenn das bedeutet, allein in einem Raum voller Menschen zu stehen, die einem schaden wollen – denn in den Worten der Dead Kennedy’s: „Punk heißt, für sich selbst zu denken.“

Green Room wird auf Netflix gestreamt.